Ulteriori approfondimenti su

MAGGIO ALL'INFANZIA2023
GLI SGUARDI DI ROSSELLA MARCHI, FLAVIA GALLO, GIOVANNA PALMIERI E MARIO BIANCHI




Un piccolo gioiello il nuovo lavoro di Tonio De Nitto nato da un’idea di Michela Marrazzi di cui possiamo ammirare in scena la maestria nell’animare una meravigliosa marionetta ibrida di dimensioni umane manipolandola con la bocca. La scena, curata nei minimi particolari, è davvero suggestiva e rievoca un mondo che ci ricorda l’immaginario di Miyazaki. Sushi è il nostro protagonista, un ragazzo che tutte le mattine arriva con il suo carretto per la vendita del pesce in strada. Ogni giorno alla stessa ora i suoi gesti si ripetono, sempre uguali: l’apertura del carretto, l’accensione della musica sempre sullo stesso pezzo, il colpo alla zampa del Maneki Neko, letteralmente “il gatto che invita” che muove la zampa ossessivamente per invitare i clienti ad avvicinarsi. Anche i saluti alle persone che passano sono sempre gli stessi. Sushi non si fa domande sul suo futuro. E’ scontato infatti che continui l’attività che suo padre gli ha lasciato in eredità. Non dovrebbe farsi domande il nostro protagonista né ascoltare i propri desideri. Ma bastano dei piccoli pezzi di pesce e dei chicchi di riso al vapore per mettere in moto la sua fantasia e, mentre le sue mani creano personaggi fantastici con il riso, ecco che gli haiku e la musica gli suggeriscono la possibilità di una vita diversa, di un futuro non più legato alle aspettative degli altri e della famiglia ma alla presa di coscienza dei propri desideri. E mai musica fu più calzante: la Madama Butterfly accompagna infatti il momento di evasione di Sushi, quello in cui la sua mente vola e costruisce piano piano la forza e la consapevolezza di ciò che vuole diventare. Ma la voce del padre lo riporta sempre alla realtà costringendolo ad incarnare, a costo di sacrificare la sua felicità, la vita di un ragazzo in cui non si riconosce. E giorno dopo giorno, ripetizione dopo ripetizione, quei momenti in cui il sogno di Sushi prende il sopravvento diventano sempre più nitidi e sempre più irresistibili fino a quando Sushi, ormai pienamente consapevole della sua metamorfosi, decide di lasciare per sempre quella vita per dedicarsi finalmente alla sua. La cura di questo lavoro è minuziosa in tutte le sue declinazioni: dalla scena alla marionetta e la sua animazione, curata da Nadia Milani, dalla musica originale composta da Paolo Coletta alle luci di Davide Arsenio. La regia di Tonio De Nitto colpisce per il rigore e il coraggio di portare un mondo culturale completamente diverso dal nostro rispettandolo fino all’ultimo e senza stravolgerlo mai. La ripetizione dei gesti a cui è costretto Sushi creano allo spettatore lo stesso disagio che vive il nostro protagonista che come lui attende l’attimo di evasione e che come lui costruisce dentro di sé il momento del cambiamento che avviene proprio nell’istante in cui matura nel protagonista e nello spettatore. Colpisce il lavoro di questa compagnia che sorprende spesso per l’eterogeneità delle sue proposte, per la ricerca continua ed appassionata dei linguaggi, per i territori esplorati per cui sente una fascinazione, per l’attenzione che richiede allo spettatore che li segue. Che mai si siede sapendo quello che lo aspetta.





IL SOGNO DI SHAKESPEARE- I Nuovi scalzi/ ITeatri di Bari

Uno spettacolo raffinato e sensibile nel cogliere Il sogno di una notte di mezza estate di William Shakespeare e riproporne l’idea profonda; un’opera pensata per un pubblico di ragazzi e ragazze ricca di temi importanti, dal sessismo al razzismo, dall’omofobia all’amore per l’altro e per la propria lingua. Gesto d’autore che propone una riflessione sulla natura del personaggio e del testo giocandosi come un riadattamento meta-teatrale (firmato da Savino Maria Italiano e Ivano Picciolo) colto e ardito ma vicino, vicinissimo alla comprensione e al sentimento della vita dei più giovani. La compagnia de I Nuovi Scalzi gioca un teatro fisico e d’immagine attraverso il linguaggio espressivo della maschera, del nuovo circo e delle performing arts: artisti completi, esperti di commedia dell’arte, musici e cantori con una formidabile preparazione alla tenuta di scena, ci regalano una commedia esilarante e poetica che (finalmente) scavalla di gran lunga la durata convenzionalmente stabilita (solo in Italia) dell’ora e qualcosina del teatro per le nuove generazioni.
La Commedia originale del 1595 circa, divisa in cinque atti, in versi e prosa, mette a sistema elementi compositi che richiamano Apuleio, Ovidio, Chaucer e diverse leggende popolari per sviluppare una vicenda, ambientata in un tempo e in un luogo favolosi in cui s'intrecciano i contrastati amori di due coppie di giovani, Erminia e Lisandro ed Elena e Demetrio, i diverbi fra Oberon e Titania, re e regina delle fate, le complicità delle creature del bosco, e persino le prove di un dramma dal titolo “La tragica commedia di Piramo e Tisbe” da recitarsi in occasione delle nozze di Teseo duca d'Atene e Ippolita, regina delle Amazzoni. Non è dunque facile accostarsi a questa materia, aggiungere altra vertigine narrativa aggiungendosi come Nuovi Scalzi e diventando quegli artigiani che s’incontrano per preparare il Sogno di una notte di mezz’estate. Eppure non solo l’operazione è riuscitissima ma parla costantemente, senza un soluzione di continuità del vibrante ritmo dialogico, al pubblico di ragazze e ragazzi divertito, convinto, accattivato fino alla fine da questa compagnia dal tangibile respiro europeo, vocata alla diffusione della cultura del teatro popolare nella commistione tra musica, danza, teatro di prosa, fisico, di strada e visual art.
Il bosco del Sogno è terreno liminare e di passaggio: soglia tra due realtà consce, luogo di manifestazione della natura fonda dell’esistenza, perdizione per la mente soggiogata e dimensione giocosa per il popolo di presenze che destruttura la società umana per dar spazio a inquietanti e seducenti realtà immaginifiche. Ma qui vi è di più: i segni dell’allestimento a vista, la macchina teatrale pura, l’effetto sonoro, il gioco delle quinte velano e disvelano persone, attori e personaggi e la natura stessa dell’humana foresta. In questo bosco teatrale il perdersi per ritrovarsi, il continuo e ripetuto scambio di ruoli, il limite tra amore e fantasia, sogno e reale, attore e personaggio, segna l’annuncio del ritorno all’uno, all’essere umano che nella solitudine onirica della notte inventa una versione di se stesso e di un mondo da correre in alleanza e in rapporto di partecipazione con tutte le altre creature.

Senza alcuna supponenza, con sincerità e capacità professionale, la Compagna  Inquanto Teatro porta sul palco del Maggio all’Infanzia, in anteprima nazionale, un’interessantissima opera di riscrittura della celeberrima fiaba Cenerentola, mostrandoci un modo d’interloquire intorno alle fiabe e di farle proprie in rapporto vivo con la realtà del pubblico dei piccoli. In quest’opera, molto vicina ad attività performative che nel nostro Paese ricordano l’epoca d’oro dell’Animazione (che vasta traccia ricca di pro e di contra ha lasciato nel nostro modo interiore di concepire la scena del Teatro per l’Infanzia), l’autore Andrea Falcone, traguardando bene la versione disneyana, aggancia due nodi tematici chiaramente portati: quale nomignolo ci è stato dato e in cosa vorremmo trasformarci.
Con autentica ironia (della lingua e della cultura rappresentata), senza calcare mai la mano su nessuna ideologia (e probabilmente senza nessuna premeditazione di proiettarsi nel mercato del Teatro Ragazzi), il regista Giacomo Bogani costruisce un intelligente coinvolgimento in progress, reimmettendo via via nell’opera in fieri gli spunti ripresi dal pubblico. Nella grande maschera Drag dell’artista e autrice Ava Hangar, interpretata da Riccardo Massidda, non vi è nessuna ambiguità: una signora d’altri tempi con il vocione, imponente e con tono bisbetico, si presenta, senza mai irridere alla femminilità, come personaggio mascherato e come lettore di una fiaba attraversabile, inedita e metamorfica. La possibilità di cambiamento coincide con la funzione relazionale al cuore di questa vicenda artistica che si articola attraverso la sospensione narrativa e l’intervento di un presentatore (Andrea Falcone) in scena con microfono, sotto luce televisiva e incaricato di svolgere delle indagine in presa diretta tra i bambini.
Chi ha un soprannome? Come ti chiamano gli altri? Quale nomignolo ti è stato dato dalla tua comunità d’appartenenza? Perché se c’era una volta una bambina che tutti chiamavano Cenerentola o Impertinella o Sudatella, oggi ci siamo noi, con i nostri appellativi da portare e sopportare, da commentare e di cui darsi ragione in Teatro, luogo del dibattimento per eccellenza. Perché ci chiamano così? Quale motivo ci ribattezza al mondo nello sguardo degli altri? Il tema è cruciale. Il presentatore, guidato da Ava, mentre la lettura della fiaba scorre, continua la sua interrogazione, mai modaiolo o ammiccante, sempre in linea con l’intenzione d’illimpidire. Ed ecco che si fa strada il secondo fondamentale quesito: se potessi trasformarti, cosa vorresti diventare? L’ordine della magia irrompe nella sua qualità di concretezza non pretestuosa, nella forma dell’impossibile extra-quotidiano che si fa strada nel possibile odierno, tipico del genere fiabesco. Quest’ultima intervista ci svela l’essenza di Cento Cenerentole: si critica l’esistente coinvolgendo il pubblico bambino su due problemi di grande momento (ovvero come l’altro ci definisce e l’evento del trasformarsi) che appartengono all’umano e non solo al bambino: è cosa interessante in assoluto qui proposta con bella e riuscitissima proporzione tra processo condiviso e creazione dello spettacolo.
Ultima annotazione: chi ha ideato questo lavoro è chiaramente intero alla cultura lgbt+ ma realizzando un sistema di rappresentazione aperto sulla base dell’esperienza (e non un dispositivo di battaglia di parte), rimane esterno al tratto ideologico: l’opera vive e si muove attraverso la visione e il collaudo del pubblico, avvalendosi pienamente della fluidità della fantasia di cui la fiaba dispone ed elaborandola culturalmente con regola drammaturgica.
Si sente da lontano l’euforia davanti al teatro costruito dalla Compagnia Kuziba. Ci sono degli alberelli attorno al perimetro della costruzione, giovani ed esili, e si intravede una porticina dalla quale il pubblico comincia a entrare: i bambini e le bambine ci passano perfettamente, noi adulti solo facendoci piccoli, inchinandoci.
In un’atmosfera di totale gioia, tutti raggiungono le postazioni sui palchetti gattonando, cadendo un poco gli uni sugli altri, giocando durante questo ingresso a teatro che sembra pensato per l’esaltazione del corpo dell’infanzia. Incanta uno spazio in cui, al posto delle poltroncine rosse e dei tetti alti, ci sono il legno, la terra battuta e il cielo. Siamo dentro, al centro di un cosmo scenografico e musicale accuratissimo: siamo nella bocca dell’immaginazione, espressione felicissima della grande studiosa del comportamento dei bambini e delle bambine nel momento della fruizione teatrale Mafra Gagliardi che si domandava cosa significasse per loro andare a teatro. Mafra che ci ha insegnato come guardare il bambino che vede…
D’un tratto compare una famiglia di teatranti; pare che questo teatrino a cielo aperto sia anche la loro casa. Il gruppo sta lavorando alla messa in scena de Il barone rampante, il celebre romanzo di Calvino che racconta di Cosimo Rondò d’Ombrosa, giovane che decide di salire su un albero e di non scendere più per sottrarsi alla costrizione paterna. Purtroppo, però, a causa di alcuni bisticci famigliari, la recita viene interrotta e il figlio maggiore, Totò, in risonanza perfetta con le vicende del barone di Rondò, innesca una rivolta contro il padre finendo per salire su… un albero? No… eppure sì! Ed è qui che si gioca la metafora più sensibile di quest’opera.
Un poco faticosamente si distinguono tutte le cornici narrative e si chiariscono i diversi piani di realtà, ma alla fine si arriva ad accogliere pienamente un’immagine ampia, definita e potente: il teatro è un albero! Totò grida forte il suo NO disubbidiente al dettato paterno e tutto il pubblico, piccoli e grandi insieme, sente chiaramente il colpo inferto all’autorità oppressiva. Tutti ammutoliscono, fuori e dentro la scena. Il teatro è un albero: è radice della relazione, sistema linfatico tra generazioni, ramificazione per l’azione futuribile.
Ma ecco che gli attori si arrampicano, salgono e scendono, si agganciano, si appendono, rischiano, saltano, dondolano, passano da un piano all’altro. La loro energia e presenza non si smaterializza mai: sono sempre in costante ascolto, appropriati al ruolo e certamente in un sistema di accordi sottili con il ricco disegno sonoro originale.
La rivolta umana per la libertà di Totò parte da un NO potente alla rinuncia di sé per poi trasformarsi in un delicato inno dell’anima che attraverso il corpo respira e sale, e salendo si volteggia come le pagine di un libro in un volo colmo di grazia. E lì, proprio davanti a questo volo finale in cui la musica si esprime al suo più pieno grado, ti ricordi all’improvviso degli alberelli verdi che fanno da perimetro sacro e li vedi idealmente attecchire, germogliare, procedere in altezza e profondità. Ripensi alla forma lignea e circolare di questo teatro piccolo piccolo e a quell’inchino, memoria di antiche e arboree benedizioni.
Altri artisti viaggianti si sono spostati con strutture itineranti per la nostra Italia che fa fatica a riconoscere il teatro come corpo vivo metamorfico, matrice di un possibile ripensamento della città, spazio ravvicinato tra umani che giocano e rigiocano il senso del mondo.


Il tema : la caduta . Il coreografo e autore Giovanni Zazzera italiano di origine ma da molti anni attivo in Lussemburgo ci propone una perfomance di danza dal sapore internazionale attraverso tre danzatori di altissimo livello tecnico : la portoghese e bravissima Catarina Barbosa, il francese Baptiste Hilbert e il danzatore e circense giapponese Hyato Yamaguchi che con una vena di malinconia cerca di tenere in equilibrio e di controllare gli altri due fino a cedere alla fine al gioco della caduta . Perché di un gioco si tratta quando si cade continuamente nella vita da piccoli e da grandi in ogni momento in ogni istante : l’importante è non farne una tragedia e rialzarsi sempre .
Qui il cadere è un gioco continuo proprio come fanno i circensi come fanno i bambini piccoli che dal pubblico continuano a ridere e a reagire ad ogni passo e movimento senza chiedersi il perché e il per cosa : i bambini piccoli, spettatori ideali degli spettacoli di danza, afferrano subito l’aspetto divertente del gioco . E’ infatti uno spettacolo che nasce dal desiderio del coreografo, che abitualmente lavora per adulti, di confrontarsi e sperimentarsi attraverso laboratori ed incontri con i bambini stessi, attento alle loro reazioni e azioni.
Il pubblico più grandicello nelle poltrone dietro al mia cerca la storia, il filo, le relazioni : “adesso vedi lui s’innamora di lei e poi invece l’altro è sicuramente geloso e poi….” Questo il commento delle due ragazzine che durante lo spettacolo si raccontano l’un l’altra la storia vissuta .
Uno spettacolo che insegna come il livello tecnico negli spettacoli di danza è molto importante e che si avvale anche di una accurata messa in scena fatta di pochi oggetti ma fondamentali e di un altrettanto accurato studio dei movimenti : niente infatti è lasciato al caso come nei migliori numeri circensi , e questo è un buon insegnamento insieme ad una bell’approccio giocoso di parlare ai bambini ed agli adulti ,del cadere e dell’affrontare gli ostacoli che s’incontrano ogni giorno della nostra esistenza .
Lo spettacolo meritava la visione anche come sguardo ed esempio della danza praticata nei Paesi Bassi,paese che da molti anni ha l’occasione e le potenzialità di sperimentare il linguaggio della danza rivolta ai più piccoli .

Quattro gli spettacoli che abbiamo visto nell'ultima giornata del Festival.

LA STANZA DI AGNESE- Meridiani perduti/Factory Compagnia Transadriatica

Sara Bevilacqua, dopo averci appassionatamente regalato “Stoc ddò” io sto qua , dolorosa testimonianza di una madre che ha perso un figlio ucciso dalla malavita 
a Bari, anche quest’anno al Maggio all’infanzia ci ha commosso e ammaliato ne “La stanza di Agnese “ , interpretando in modo naturale e accorato Agnese Piraino Leto 
Borsellino, vedova del magistrato palermitano, che vicino alla morte per una malattia, va indietro nel tempo a raccontarci il rapporto tenero con il marito, 
tratteggiandone in modo appassionato la figura. E dalla memoria escono il loro primo incontro, lei Figlia del presidente del Tribunale di Palermo e ben inserita nell’
alta borghesia, lui giovane magistrato,la ritrosia affettuosa di lui, il rapporto con Falcone, la nascita dei loro figli, la vita difficile, con quel sentore di morte che li 
circondava. Inoltre vengono anche sottolineate le connivenze, le trame, i sospetti per una verità scomoda che doveva essere sempre sottaciuta, in una realtà dove 
Borsellino e Falcone, si immolarono per restituire dignità alla loro terra martoriata.  Tutto viene restituito dall ‘interprete con semplicissima adesione al personaggio che
 ci appare vivo sul palco come vive ci paiono le persone e gli avvenimenti via via raccontati. 
“La stanza di Agnese” poi risulta essere anche, come la precedente creazione dell’artista pugliese, senza retorica alcuna, uno spettacolo di testimonianza 
inesausta a non lasciarsi mai andare, uno sprone a combattere il male, sempre e comunque. 

ESSERE O NON ESSERE- Babilonia Teatro
Una compagnia che seguiamo con affetto e stima sin dal suo nascere, pone in campo il tema dell’identità sessuale già affrontata con estrema cura per i ragazzi da creazioni come "Barbie e Ken" e "Spaidermen" in un nuovo spettacolo prodotto da Koreja .
L’ultima giornata del Festival ci ha regalato anche due spettacoli che pur contenendo molte  suggestioni non ci hanno completamente convinto. “Il Bambino tra le stelle” di Teatri di Carta e “Pollicino Show” di Artemis danza. “Il Bambino tra le stelle” con la regia di Francesco Campanile e la scrittura scenica di Tiziana Tesauro con Chiara Abagnale, Connie Dentice, Marco Lorenzo Panico, mette in scena l'infanzia di Neil Armstrong, l'uomo che per primo mise il piede sulla luna. Davanti a noi si muovono i personaggi di Neil bambino, della madre premurosa e del padre burbero e severo, che indossano le pur belle ed espressive maschere di Luca Arcamone. Il bambino ha una vera passione per le stelle ed il volo e ogni sera parla con la Luna, la sua migliore amica, promettendole che un giorno sarà il primo a raggiungerla. Per ringraziarlo, la Luna gli regala un super potere: un raggio di luce contagioso che può trasformare le persone rendendole felici. Ma una forza misteriosa si frappone tra il bambino e i suoi desideri. Tra gioie e paure, lotte tra il bene e il male, tutto per fortuna torna a brillare. Così Neil ritrova il coraggio, suo padre scopre la felicità e la Luna si accende nuovamente e il nostro bambino può danzare con lei. Purtroppo la messa in scena a noi è parsa veramente piena di luoghi comuni e di stereotipi bamboleggianti dove le metafore faticano davvero ad avere una giusta e concreta resa teatrale.