Ulteriori approfondimenti su

COLPI DI SCENA 2018
RECENSIONI DI MARIO BIANCHI, CIRA SANTORO, ROSSELLA MARCHI CON I PUNTI DI VISTA DEI RAGAZZI DEL CORSO" DAL TESTO ALLA MESSA IN SCENA"

La città di Forlì,tra l'altro, è stata inserita nella Rotta Culturale Atrium, itinerario turistico e culturale transnazionale, costruito per esplorare la memoria europea del XX secolo intorno alle architetture dei regimi totalitari nelle memorie urbane. Nell'alveare di questo progetto Colpi di Scena 2018 ha ospitato per la prima volta in Italia, formazioni teatrali provenienti da paesi membri, quali Croazia, Romania, Bulgaria, utilizzando, nel suo itinerario, oltre ai teatri, anche alcuni spazi della Rotta, quali la Sala delle Costellazioni e l’Ex Deposito ATR.
Per cui i numerosi operatori provenienti, non solo da tutta l'Italia, hanno potuto vedere “ Daddy ' s Always Right “ dei bulgari di Credo Theatre,” So long “ dei croati Theatre Company Pinklec e “La capra e i tre capretti” del Luceafarul Theatre, proveniente dalla Romania, conoscendo da vicino diversi modi di proporre il teatro di figura,assai lontani dai nostri.
Certo non potremo darvi conto di tutti gli spettacoli, approfondendone solo alcuni, ma diverse sono state le nuove creazioni che ci sono piaciute e di quelle cercheremo di parlare. La manifestazione è iniziata con una interessante finestra sul lavoro e sui processi attivati in questi mesi intorno al progetto, coordinato da Linda Eroli,  “Dal Testo alla Messa in Scena”realizzato da Demetra Formazione, in collaborazione con Accademia Perduta/Romagna Teatri e sostenuto con risorse del Fondo sociale europeo e della Regione Emilia-Romagna.
I giovani autori e attori, alcuni dei quali, in questa sede, daranno anche il loro punto di vista su spettacoli, a cui hanno assistito durante il festival, hanno presentato, guidati da Bruno Stori, Sandro Mabellini e Emanuele Aldrovandi,  frammenti teatrali dedicati ad un racconto di Cechov e al capolavoro di Emily Bronte “ Cime Tempestose”
Il Primo giorno del Festival, è stato presentato anche lo studio del progetto in divenire “Patchwork”, materiali di lavoro di una coproduzione internazionale –Théâtre du Gros Mécano (Québec)/Ass. Segni d’Infanzia, scritto, diretto da Cristina Cazzola e Carol Cassistat, sul tema dell’identità nella società contemporanea e multiculturale.
I burattini sono stati ben rappresentati dal curioso” Nonna e volpe” su regia di Danilo Conti con Vladimiro Strinati, protagonisti due personaggi che così diversi non si può, che si affrontano attraverso sketch divertenti e surreali. Infine gli operatori hanno potuto vedere anche “La Venere Nera “ il primo studio per un racconto gotico di e con Liliana Letterese del Baule volante. Un ringraziamento particolare oltre che a Ruggero Sintoni e Claudio Casadio,va alle splendide ragazze che ci hanno letteralmente coccolato durante i quattro giorni del Festival: MONICA BARTOLINI PAOLA STORARI E CRISTINA VALGIMIGLI

Tre gli spettacoli, secondo noi, da riconsiderare profondamente, “Aligaspù “, il primo gabbiano che imparò a volare, di Karumi Project, regia di Cristiano Petretto, spettacolo di teatro di figura, performance, davvero imbarazzante, realizzata, così è scritto nella ricca brochure, con la tecnica dell’origami giapponese, “Peter Pan “ de La Baracca/Testoni Ragazzi di e con in scena Bruno Cappagli, Fabio Galanti e Daniela Micioni, confusa messa in scena, ci spiace dirlo, senza capo né coda, del capolavoro di Barrie, “Bzzz, operina per brutto anatroccolo, fiati e ombre “, la prima coproduzione di L’Asina sull’Isola e Arca Azzurra Teatro, su musiche composte ed eseguite in scena da Mirco Ghirardini, con disegni di Pietro Spica, secondo noi in embrione, che non ha ancora acquisito una sua giusta dimensione.
Ovviamente diversi gli spettacoli già visti, di grande qualità come "Giobbe" di Roberto Anglisani, "Il Misantropo" dei leccesi di Factory, l'incursione sulla Divina Commedia di Chiara Guidi, il divertente apologo sul tema della rabbia "Valentina Vuole" del Progetto G.G., la Sirenetta con la brava Alessandra Tommassini a cui consiglieremmo uno sguardo esterno per rendere più intensa la sua narrazione. Tre gli spettacoli che non siamo riusciti a vedere"Il Folletto mangiasogni di " Fratelli di Taglia"  "Strambe storie da Saki a Dahl" del Teatro dell'Orsa di cui ci darà però conto la giovane Erika Covezzoli e il concerto dei Flexus " Albero bell'Albero".
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Un Festival inondato dalle Fiabe, che, al di là dell'esigenza vera di proporle ancora ai ragazzi che dovrebbe sempre pervaderle, ci ha permesso di vedere, da vicino, in quanti modi esse possono esere messe in scena.
Infine ecco la fiaba moderna, reinventata da Valeria Raimondi e Enrico Castellani dei Babilonia, per Carlo Presotto della Piccionaia in “ Come le favole”.
Rispettando la struttura tradizionale della fiaba, reimpostata in modo contemporaneo, “ Come nelle favole” racconta la formazione e la crescita di due fratelli dalla carnagione nera, Leo e Cloe, che, attraverso un viaggio iniziatico, affrontano il cammino per diventare grandi.
Leo e Cloe partono, soli, alla ricerca di se stessi e delle loro bambole, in cui potranno finalmente rispecchiarsi e identificarsi. A narrare le avventure dei protagonisti è il nonno pittore, custode del passato e ponte verso il futuro. Saranno i colori del nonno a fornire a Leo e a Cloe la chiave per liberarsi. E sono proprio piccoli fiumi di colori diversi, che inondano il piccolo palco, dando sostanza ad una scena, dalla cui graticcia, di volta in volta, scendono anche le amate catene di forte espressività di Enrico e Valeria, a cui sono appesi oggetti che danno forma compiuta alla storia. Carlo Presotto, con la consueta generosità, narra le peripezie di Leo e Cloe. I modi del racconto sono ancora a metà tra la narrazione tradizionale e l'impostazione apparentemente asettica, tipica dei Babilonia, ma confidiamo che il passare del tempo colmi questa dicotomia.
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E' abbastanza raro che un Maestro del teatro per i ragazzi, per molti anni, concentrato a costruire mondi incantati, ritorni in scena per mettersi in gioco, addirittura in due spettacoli, il primo dei quali, dedicato ai ragazzi, affidandosi a una giovane talentuosa compagnia, il secondo proposto per gli adulti, ma non solo, con la consueta collaborazione di Marina Allegri. Maurizio Bercini di Cà Luogo d’Arte, lo ha fatto, impersonando un orco, nel primo, lasciandosi guidare da Manuela Capece e Davide Doro dei Rodisio, nel secondo, proponendo una sorta di bizzarra autobiografia immaginaria, di divertente e melanconico godimento.
Ovviamente come in tutte le fiabe che si rispettino l'Orco deve fare paura, sappiamo che lo fa per finta, ma comunque deve far paura, perchè, in teatro, i nostri cuccioli, per crescere, devono avere paura, se no che Teatro è ? E' un Orco buffo quello che vediamo in scena, che si trasforma per fare paura, gli orchi veri, quelli che fanno veramente del male, vivono solo nella realtà. Il nostro Orco in scena è, invece, possessore di meraviglie, ammaliandoti, come fa, con la sua arte. L’orco, si sa, non muore mai, ritorna infatti in ogni fiaba, ma deve sempre essere sconfitto. Perchè sconfiggendolo, dopo, ma solo dopo, c'è una libertà, difficile da misurare.
Così si presenta Maurizio Bercini nel primo spettacolo, guidato sapientemente dalla luce e dalla musica, questa volta soprattutto di Mendelssohn, che come accade sempre negli spettacoli di Davide Doro e Manuela Capece, sottolineano le varie atmosfere presenti sulla scena, dandole significato. I bambini sono presenti, seppur miniaturizzati e si fanno anche sentire con la loro piccola voce. C'è pure una piccola casetta illuminata che alla fine andrà a fuoco,c'è perfino la luna e il filo del microfono che li conduce, alla fine verso la salvezza. Bravo Orco!
Nel secondo spettacolo, è il filo dell'ironia che imbeve ogni cosa, è un divertissement leggero e bizzarro, dove, il protagonista, è un mago piuttosto che un orco, il mago dei mondi incantati che ha costruito in 30 anni di arte e di lavoro.il protagonista è il Teatro,dove ogni cosa confluisce. E ci sono pure Marina, Zeno e Olga, che gli ricorda che poi così brutto non è. E' Orco, mago, ma è anche un Gesù psichedelico, un teatrante melanconico, coperto dalla polvere del palcoscenico ”
Non compatite la mia polvere...è magica. Invisibile ai più, ma chi la respira si ammala. L’ho raccolta in ogni dove, in ogni tempo, è la mappa di tutta la mia vita e la porterò con me quando andrò a capo... “ E noi te la lasciamo quella polvere Maurizio.
Pietro Fenati di Drammatico Vegetale per Ravenna teatro ha presentato in prima il suo nuovo spettacolo “Leo,uno sguardo bambino sul mondo “, dedicato a Leonardo da Vinci.
Le giovani Camilla Lopez, Elena Pelliccioni, sulle musiche originali di Matteo Arevalos e le scene di Ezio Antonelli, mettono in scena attraverso alcune frasi di Leonardo, significanti lette, da un bambino, i diversi mondi del grande genio italiano, pittore, ma soprattutto inventore di nuovi mondi.
Come un bambino infatti, Leonardo immaginava il futuro dilatando il presente, come un bambino immaginava di volare, di vedere in modo palese, mondi nascosti sotto la sabbia.
In “Leo,uno sguardo bambino sul mondo “Gioco, scienza, arte si inseguono, attraverso i giochi le invenzioni, le immagini vere e proiettate che le due performer costruiscono in scena. Lo spettacolo si vede che è ancora in formazione,vi sono ancora momenti imprecisi e suggestioni troppo criptiche, ma nello stile, che ben conosciamo di Fenati, la nuova creazione, con intelligenza già tangibile, tende sempre a non essere didascalica, a suggerire piuttosto che spiegare. E ovviamente insieme a lei, nello stile di Drammatico Vegetale, verrà abbinato un percorso didattico costruito ad hoc tra marchingegni e scatole magiche in omaggio al grande Da Vinci.
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Uno degli spettacoli rimarchevoli del Festival è stato senza dubbio “Zuppa di Sasso” prodotto da Tanti Cosi Progetti, di Danilo Conti e Antonella Piroli, dove il teatro sbrecciato a volte confusionario, ma mai confuso, di Danilo Conti trova giusto e conveniente riparo in una storia diventata ormai un must del teatro ragazzi italiano. Ecco dunque che lo straniero Lupo nero, un giorno giunge in casa di Gallina e incomincia a fare una buona minestra con un semplice sasso.
Piano piano, incuriositi dal fatto stano, ma un poco paurosi essendoci un misterioso straniero e degli stranieri bisogna sempre aver paura, Teodoro il cane, BulBullo il bue, Piccolo porcello, BelBello cavello, Squibb il coniglio, Squitt il topo, Gatto e Rana, Betta la capretta, Gufo reale e oca, ognuno con la sua forma e la sua caratteristica, si avvicinano alla casa dell'amica e per nulla spaventati dallo straniero, ciascuno portando una verdura diversa, partecipano alla semplicissima ma lauta cena.
Il lupo viandante, così come è apparso se ne va, portandosi via il sasso, gli altri, quelli che restano, tramite una semplice zuppa, impareranno il piacere di stare insieme, unito alla bellezza della condivisione, un piacere che avevano dimenticato. Danilo Conti, utilizzando la sua voce e la sua corporeità, muovendosi a piacimento con le bellissime, strabilianti, piccole e grosse, maschere e sagome di Massimilano Fabbri, realizza un universo zoomorfo di grande divertimento, creando uno spettacolo di teatro di figura, originale e coinvolgente.
Il momento più alto del Festival si è compiuto con “L' Abisso “, spettacolo che vede in scena dopo tanto tempo, l' attore e autore siciliano Davide Enia, che ci aveva già donato capolavori come “Italia Brasile 3 a 2 “, “Maggio 43 “, accompagnato dalle musiche composte ed eseguite in scena da Giulio Barocchieri, spettacolo tratto dal suo romanzo “Appunti per un naufragio”. La sua semplice narrazione, partecipata, commossa e commovente, parla ancora una volta della tragedia dei Migranti. Ciò avviene senza retorica alcuna, ma attraverso il nudo racconto degli avvenimenti, visti dal punto di vista del soccorritore anonimo, del pescatore e di converso dello stesso Enia. Non siamo davanti a racconti di invenzione ma alla cruda verità che ci viene posta davanti, senza infingimenti.
Davide è lui che ci racconta da vicino l'abisso, Davide che assiste al suo primo sbarco a Lampedusa con suo padre, dove arrivano stremati tantissimi esseri umani, per lo più, ragazzi e bambine. Il rapporto con il padre, taciturno, si condensa nello stesso silenzio delle parole che non hanno più senso davanti allo strazio dello sguardo. Per questo ogni parola del narratore è scelta mai a caso, in un fluire di sentimenti che il dialetto ed il canto impastano di pietà, e che il semplice accompagnamento musicale di Barocchieri scorta con discrezione.
Anche “Abù sotto il mare”, di e con Pietro Piva, su musiche Paolo Falasca parla di migrazione. Qui a raccontarla c'è, invece, un giovane promettente artista, che ci narra, trasformandosi con un uso sapiente del corpo e della voce in un bambino, simile a un piccolo disperato clown, il suo viaggio terribile verso il ricongiungimento con il padre, tanto lontano. Le visioni, i sogni e le speranze del piccolo Abu, di un bambino dentro a una valigia, passato ai raggi X alla dogana di Ceuta, si trasformano in un canto disperato che dialoga con il mare e con i fari che guidano i naviganti, un canto primordiale, buffo e tragico che mescola Pinocchio che va a salvare il babbo nella pancia della balena con Ulisse che si nasconde dentro un cavalluccio di legno,mentre una scenografia, semplice ma cangiante e i suoni di Paolo Falasca ne amplificano le suggestioni.
Troppe forse queste suggestioni, che spesso si affastellano in modo disordinato, che avrebbero bisogno di un occhio esterno per essere governate,ma che fanno intravvedere un'arte teatrale di sicura forza e originalità. 
Due spettacoli a Colpi di scena hanno indagato, in modi diversissimi tra loro, il rapporto tra padre e figlia. “ Ricordi ?” di Teatro dell'Argine e “Beata gioventu' ” di  MTM Manifatture Teatrali Milanesi.
“ Ricordi ?”, scritto da Caterina Bartoletti con i bravi Clio Abbate e Giovanni Dispenza,narra il rapporto della  giovane Marta con il padre, che piano piano sta perdendo la memoria. Lo spettacolo mette in scena in modo dedicato, a volte inzuppato di ironia, mai retorico, il loro rapporto, un rapporto fatto da piccoli gesti affettuosi e della cura che Marta gli riserva. Prima era lui che la copriva di attenzione, ora, con il passare del tempo, le parti si sono invertite. Lo aiuta a muoversi, seppur a fatica, a fargli indossare la giacca, a rinfrescargli i ricordi attraverso delle fotografie, a farlo mangiare indicandogli il vero nome delle cose, insomma come tanto tempo prima lui faceva con lei. Lo spettacolo cerca di superare il pericolo della retorica dell'affrontare un tema siffatto, utilizzando il linguaggio del teatro-circo. In fin dei conti tutti i tentativi di rapporto tra padre e figlia si sono consumati e si consumano in un rapporto intenso tra i loro corpi che lo spettacolo ci restituisce con assoluta tenerezza.
Lo spettacolo ha la capacità, attraverso il teatro, di immedesimare, in ciò che avviene sul palco, gli spettatori di diverse età che si vedono rappresentati nei loro rispettivi ruoli. Ciò perchè, anche noi, come esseri umani, di una certa età, siamo stati giovani e abbiamo avuto le stesse pulsioni.

IL PIU' FURBO GIOCOVITA GIOCOVITA

Lo spettacolo è noioso ed irritante, decisamente sgradevole. È stracolmo di personaggi bidimensionali e inutili, tra cui “Compare Orso” e “Cugina Pecora”. L'orso viene citato molte volte ma non si vede mai, mentre la pecora ha un ruolo più importante: entra in scena per chiedere se la Capra andrà al mercato! Viene poi, invitata in casa per un caffè e in un primo momento risponde si, poi ci ripensa e se ne va. Fortunatamente non si vedrà mai più. Oltre ai dialoghi insensati, la scena del Lupo che si fa limare i denti e non paga è davvero raccapricciante. La rappresentazione è stata pensata per un pubblico dai 6 ai 10 anni, ecco, se cercate un modo alternativo per punire i vostri figli, sicuramente, questa tortura fa al caso vostro.

STRAMBEVSTORIE DA SAKI A DAHL  TEATRO DELL'ORSA STRAMBE STORIE DA SAKI A DAHL